Muy bueno: El guión de Aaron Sorkin, indudablemente. Basado en el libro de Ben Mezrich, “The accidental Billionaires”, Sorkin arma de manera magistral una historia  con los hechos que impulsaron la creación de Facebook y las consecuencias derivadas del exito de la red social. Las dos demandas interpuestas a Mark Zuckerberg, una por su ex socio Eduardo Saverin y la otra por los hermanos Winklevoss -que para quién no lo sepa están interpretados por un solo actor-,  y Divya Narendra, sirven para contarnos, a través de las declaraciones de las tres partes, los entresijos de la gestación de Facebook. Algo que a priori suena bastante aburrido  se desvela, ya desde la secuencia de inicio, como un relato fascinante y tremendamente entretenido.

Bueno: Se nota que David Fincher no tuvo ninguna duda de que lo que iba a hacer era una película. De forma muy inteligente crea una atmósfera que hace que la historia tenga ese aire de otro tiempo pero perfectamente reconocible por lo actual. Y es que la película empieza en el año 2003 que, lógicamente, si se mide en unidades de tiempo corrientes fue hace un instante, pero si usamos una escala basada en la tecnología veremos que estamos ante una historia que ya queda muy lejos . Fincher no pretende hacer un documental pero deja los efectismos a los que acostumbra para narrar una historia de forma relajada y sutil. Los momentos más Fincher son aquellos en los que introduce elementos sacados directamente de las modas de Internet como, por ejemplo la secuencia de la competición de remo en la que usa el muy sobado ya (por un servidor el primero), efecto Tilt-Shift.

Normal: Puede que precisamente esa sutileza que usa aquí Fincher convierta La red social en su película menos personal. ¿Es eso malo? Bueno, depende de lo que cada cual valore del cine de David Fincher. En cualquier caso cabe reconocer que la dirección es sólida, efectiva y, a ratos, contundente.

Mal: Pues, sencillamente, el prejuicio de muchos respecto a que se haya hecho una película basada en el tan mal visto Facebook. Hoy mismo he visto, curiosamente en Facebook, cómo alguien se burlaba en unos términos pedantes hasta la náusea de otro por decir que la película le había gustado.

Muy mal: Que no se estrenen más películas que, como esta, me hagan exclamar a la salida del cine “qué a gusto me he quedado”.

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La isla, como el personaje que es, resulta del todo inquietante, con esos cielos pesados, esos acantilados de rocas afiladas como el infierno y esa bruma que al diluirse nos muestra el imponente faro y las húmedas paredes de los pabellones del psiquiátrico de alta seguridad. Además, el diseño de producción no se limita a mostrarnos lo terrorífica que puede resultar la naturaleza (fantástico el momento de la tormenta) si no que el interior de los edificios juega con un marcado contraste entre las zonas de confinamiento y las residencias de los médicos. Lujo y sordidez son repartidas de forma equitativa y todo alarido perdido entre los pasillos y celdas tendrá su contrapunto con una melodía sonando en un disco de pizarra en alguna parte en la lujosa mansión del Dr. Cawley. Imágenes como la de los pacientes de aspecto más oscuro cuidando las plantas de un luminoso y colorista jardín os darán una pista de lo que hablo. Estoy seguro de que Shutter Island se podría ver sin sonido y disfrutar de su espectacularidad plástica. Un diez, en serio. Ahora bien…

La historia que se nos narra, como ya adelanto en el título de este post, es para novatos. Si bien, la trama está llena de elementos más que suficientes como para mantenernos atentos a lo que ocurre cualquiera que ya esté curtido en estos temas no puede quitarse de encima el temor a ser engañado y disecciona cada pista pretendiendo saber qué elementos son tramposos y cuales no. Evidentemente, cuando, como espectador, tratamos de resolver un misterio que trasciende la pantalla, algo no va bien. Además, los constantes flashbacks, sueños y delirios con los que la llenan no ayudan en absoluto a centrarnos en la trama sino que nos distraen y rompen el ritmo de una película que ya de por sí sobrepasa las dos horas.

Shutter Island debe ser vista sin prejuicios, intentando pensar lo menos posible, procurando gozar de ella sin miedo a que sea previsible o manida, asistiendo al espectáculo sabiendo que habrá giros y disfrutándolos sin más. Y, amigos, eso puede que se lo perdone a otros, pero no a Scorsesse

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Pues miren ustedes que, a pesar de todo ello, a mi juicio, falla y lo hace de forma estrepitosa. Las interpretaciones resultan demasiado “intensitas”, casi melodramáticas, el maquillaje del maestro Baker es, en los poco que se ve ya que todo lo relativo a la transformación y las correrías del licántropo son, en su mayoría, efectos generados por ordenador, mediocre y poco imaginativo. La recreación del Londres Victoriano está realizado de una forma tan plana que perjudica seriamente a la atmósfera. De hecho, existen ciertas decisiones de ambientación que a uno le hacen salirse de la película para preguntarse cosas como, “¿pero es que a nadie en esa casa se le ha ocurrido pasar un trapito?”. El guión de Kevin Walker no solo no aporta nada nuevo, cosa que tampoco tendría que ser un problema, sino que resulta falto de ritmo y absolutamente predecible en todo lo que va a ocurrir. Y no hablemos de algún que otro diálogo que me hizo ruborizar de pura vergüenza ajena. La dirección de Jonhston es, como mucho, correcta pero creo que poco equilibrada sobre todo en algunas secuencias de acción y en el uso nada imaginativo de un gore que te abre un camino a la esperanza y que luego se queda en mera anécdota ya que ni impresiona, ni divierte. Incluso la banda sonora de Danny Elfman suena cansada, como si el músico hubiese visto la película y la hubiese dicho “en fin, piensa en la pasta, Dan”.

La peli no me ha gustado, lo reconozco pero ya sabrán ustedes que, como dijo Clint Eastwood, las opiniones son como los culos, todos tenemos uno. No dejen de ir al cine a verla si les apetece y si lo hacen, por favor, pásense por aquí y opinen, opinen, que valoro mucho si criterio me interesa lo que tenga que decir.

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Bueno: Pues, no sé… ¿todo? Malditos Bastardos es una película divertida, entretenida, emocionante y violenta. Pero no se queda en eso. El director parece querer demostrar aquí con su “direction choice” que puede hacer una película “tarantiniana” y ser más mesurado, narrar con un pulso más… ¿tradicional? Puede que esa no sea la palabra perfecta para definirlo, pero Tarantino demuestra una vez más que es un maestro de los diálogos y del pulso narrativo y que no le importa arriesgar su marca en pos de la puesta de escena más favorable a su película. Si tengo que elegir una secuencia en concreto de esta película elijo la secuencia de apertura, sin duda un ejercicio ejemplar de cine, con múltiples referencias cinéfilas y una perfecta exposición de todo los que nos vamos a encontrar en Malditos Bastardos.

Normal: Y digo normal, sobre todo porque eso es lo que es, al menos en una película de este director. Me refiero al carácter episódico de la película. Ya lo hizo de forma similar en anteriores trabajos, sobre todo en Pulp Fiction y Kill Bill y reconozco que, si bien no me molesta, sí me desconcierta en un primer visionado. Creo que es inevitable tener prejuicios ante cualquier película que se va a ver, ya sean buenos o malos y que el nudo de las expectativas se nos va deshaciendo durante la proyección. Ello unido a que, en mayor o menor medida, estamos demasiado acostumbrados a la estructura narrativa estandarizada sobre todo por el cine norteamericano y ello, inevitablemente, influye en lo que, al final, pensamos de la película. Por algún motivo, tenía la sensación de que con Malditos Bastardos se nos iban a contar una serie de acontecimientos de esa manera “estandar” de la que hablaba. No es así y no pasa nada, pero sí me da la sensación de que Quentin Tarantino tenía mucho más que contar, se tuvo que centrar en una serie de historias y que ese estilo de episodios, que de alguna manera le caracteriza, le venía muy bien. Por cierto, me quedé con la misma sensación que cuando veo cinco o seis capítulos seguidos de una serie de televisión: por un lado me quedo encantado y por otro me quedo con ganas de más.

Mal: Hombre, tampoco es que sea una cosa que esté mal, pero ya que se vende como se vende, echo un poco de menos a los bastardos del título. Esperaba más acción, más salvajismo y más humor con ellos. No, eso no es lo que echo de menos, lo que me falta es más metraje con ellos. Eso, eso es.

Muy mal: Me parto de risa con la coletilla esa que se oye de que Tarantino se ha pasado por el forro el rigor histórico. Antes de ver la película el comentario me la traía un poco al pairo, pero después de verla me parece flipante que alguien haya hecho ese comentario en serio y me hace dudar muy mucho de que haya visto la película. Claramente, estamos ante una fantasía, un divertimento en forma de cuento cruel y salvaje, una revenge movie que es, en sí misma, de alguna forma, una venganza. Es un juego de espejos cinematográficos y cinéfilos, una montaña rusa que le hace constantes guiños al espectador y que no disimula todo esto. No por casualidad nos introduce en un cine francés, sentados justo detrás de la plana mayor de las SS y nos obliga a mirar la pantalla que ellos miran, una en la que se proyecta una película muy diferente a la que vemos nosotros. Malditos Bastardos es la película que nunca haría Spielberg porque le faltan cojones y que nunca reconocerá que le ha encantado. ¿Qué rigor ni qué hostias?

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Bueno: Me ha gustado mucho el casting. Por un lado me alegra ver que los actores no son copias calcadas de los dibujos de Gibbons, así como tampoco lo es el diseño de los trajes, etc…, y por otro que no sean estrellas. Puede que los rostros que más les suenen a los espectadores sean los de Billy Crudup, Patrick Wilson y Jeffrey Dean Morgan, el Denny Duquette de Anatomía de Grey. Todos ellos aparecen caracterizados de forma que no resulten demasiado guapos, raritos, como debe ser. En general los actores me parece que están bastante bien y aunque ninguno de ellos gane el Oscar por su intepretación su trabajo resulta más que solvente y no nos distrae de la esencia de sus personajes, unos (anti)héroes desangelados que rozan la apatía. Lógicamente, desde el propio cómic, los personajes son ricos y complejos y si bien en la adaptación inevitablemente se pierde algo de profundidad, sobre todo en el caso de Ozymandias, creo que se mantiene el tono general. Ah, como anécdota diré que estoy encantado con dos cosas que, a priori, puede que resulten muy obvias, pero que para mi tienen bastante valor. Me alegro de que no se haya cedido a la mojigatería hollywoodiense y se haya mostrado con naturalidad tanto la picha azul del Dr. Manhattan como las torres gemelas de Nueva York. Y qué decir de las escenas de sexo: si un polvo es solo un polvo, qué narices, pues habrá que rodarlo como tal y no como un cuento de hadas. ¡Ole!

Normal: Como era de esperar el trabajo de producción de arte ha recreado hasta el más mínimo detalle la iconografía del cómic. Y no podía ser de otra manera. Lo más satisfactorio de ello es que no solo se ha tratado de mantener la atmósfera decadente de las páginas del original creando planos literales de la viñeta, sino que incluso se ha tratado de adaptar la paleta de colores de John Higgins y su Nueva York alternativo de 1985  pero con un diseño coherente con el de la época real de forma muy convincente. Creo que de todas esas últimas adaptaciones “literales” que hemos visto últimamente como 300 o Sin City, Watchmen es la que procura dar un poco de aire a las viñetas no quedando tan ceñida y artificial como aquellas. Por eso creo que la adaptación visual está mucho más elaborada sin renunciar ni traicionar al cómic. Sabemos que Snyder tiene querencia por las cámaras lentas para replantear el estatismo de la viñeta pero en Watchmen no son, ni de lejos, tan excesivas como los fueron en 300. Zack Snyder ha hecho lo que se esperaba que haría, pero tal como están las cosas, hay que reconocerle el mérito por ello.

Mal: Curiosamente, con la banda sonora de la película me pasa lo contrario que con el casting. Watchmen está llena de grandes canciones, preciosas y conocidas melodías que me sacan de lo que estoy viendo. No lo puedo evitar. Cuando una escena pierde la fuerza en pos de una canción famosa es que algo va mal y la película, como digo, tiene unos cuantos momentos así. No dudo de la capacidad evocadora de la banda sonora, pero la veo más apropiada para amenizar una cena con amigos que para una película como esta.

Muy mal: Pero bueno, vamos a ver, estás disfrutando como un enano de la fuerza visual de la película y de repente aparece Richard Nixon con un narizón que ni Cyrano y te saca de cuajo. O Carla Gugino como la Sally Jupiter de los 80, con una peluca y un maquillaje que no se cree ni Dios. Vemos a un Dr. Manhattan más que convincente y luego aparece cierto felino extinto que nos recuerda más a Garfield de lo que nos gustaría. ¿Cómo es posible que en una película de estas caracterísitcas haya semejantes incoherencias de maquillaje y FX? Imagino que ciertos procesos están realizados por diferentes empresas pero no creo que ello se excusa para que la película pierda en homogeneidad.

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Bueno: ¿Y qué puedo decir de Marisa Tomei? Puede que su personaje parezca sencillo para algunos pero, según mi opinión, no todos los interpretes están capacitados para hacer un trabajo lleno de matices partiendo de una sutileza como la de esta, a partir de hoy, venerada actriz por mi. Se puede hacer de puta, se puede hacer de santa pero mantenerse con ese pulso en una línea tan difusa como la de Cassidy/Pamela no creo que sea fácil. El personaje, de alguna forma, resulta reconocible y creo que la clave está en que Marisa Tomei, sencillamente, interpreta a una persona. Marisa Tomei forever!

Normal: Historias de superación hemos visto ya muchas, también de luchadores, boxeadores, gorilas y brutotes con el corazón de oro. Nos parece conocer el código, creemos que vamos a asistir a otra película que será perfecta para los domingos después del telediario y que iremos unos pasos por delante de ella. Nos equivocamos, vamos detrás, literalmente. The Wrestler no es una película de superación, es más bien una exposición, la muestra de cómo vive una persona a la que acompañamos durante 100 minutos, con la que compartimos su sufrimiento, con la que entramos al cuadrilatero, a la que seguimos hasta su trabajo en un supermercado y con la que viajamos sentados al lado en una desvencijada furgoneta. The Wrestler no trata de mandarnos un mensaje, no de forma evidente, al menos -cosa que se agradece-, solo quiere que sintamos, y lo consigue. ¿Hay alguien por aquí que no saliese físicamente cansado de la sala?

Mal: ¿Mal? ¿Qué podría decir? Bueno, pues por decir algo mencionaré que el pasaje de la hija me parece un poco forzado y precipitado. Y ya.

Horroroso: De verdad que le vengo dando vueltas y no se me ocurre nada. En todo caso diré que no me gusta que en España se haya cambiado a última hora The Wrestler por El luchador, título mucho más vacío y genérico. No me pregunten porqué pero tengo la sensación de que yo vi una película que se llama The Wrestler, no El luchador.

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Bueno: Se ha hablado mucho de la interpretación de Brad Pitt y estoy de acuerdo, en parte, en que dadas las dificultades que plantea al personaje, el actor ha sabido arreglárselas para componer un rol bastante homogéneo y sólido. Pero si he de destacar una de las interpretaciones de la película, y esto es una cuestión muy personal, destacaría por encima de todos, incluyendo a Cate Blanchett, el trabajo de Tilda Swinton, actriz que cada vez que veo en una película me gusta más. Cierto es que su peso en la trama y su tiempo en pantalla no es comparable al de los dos protagonistas, pero el calado que tiene el personaje, al menos en mí, supera con creces a los demás. Como digo, esto es algo muy personal pero me parecería injusto pasarlo por alto.

Regular: No puedo evitar ver una constante y clara intención en el discurso interno de la película. El tiempo, la muerte, la vejez son temas que se suponen desde el propio trailer y parece como si constantemente se quisiesen remarcar, más de lo debido, forzando la alegoría, tratando de que no pase desapercibida en ningún momento y formulándola, en ocasiones, de forma poco acertada. La metáfora repetida del ruiseñor llega a cansarme.

Mal: La película es larga, muy larga. Dos horas con cuarenta y cinco minutos es mucho metraje, aunque eso da igual. No me quejo, no se hace nada pesada, y de hecho creo que debería ser más larga. Conocidos son los problemas que Fincher tuvo con la productora que constantemente le imponía un montaje que acortase la película y que acabó con la marcha del director, con un “la montáis vosotros” y un sonoro portazo. La película era originalmente más larga y eso se nota. Hay tramas que no concluyen, historias que pierden sentido al no estar bien explicadas y personajes que parece que serán importantes y que, de repente, desaparecen. Además, hay un momento en el primer tercio aproximadamente, en el que los acontecimientos parecen acelerarse sin sentido. Esperaremos el montaje del director que nos llegará seguro en DVD.

Horroroso: Bueno, advierto que aquí voy a ser un poco duro. La película tiene un problema que afecta al resto. El personaje de Daisy no cae demasiado simpático, sobre todo en la parte de la adolescencia y juventud. Entiendo que esto está hecho así a propósito y a Blanchett se le reconoce el mérito pero a mi me pareció tan antipática que llegó a importarme tres narices lo que me estaba contando. Luego hay otra cosa. Ya me gustó poco en Los puentes de Madison, mucho menos en Titanic y tampoco me agradó demasiado en Big Fish: el recurso de viejo en el lecho de muerte/diario secreto que desvela una historia desconocida a sus descendientes y se nos muestra a los espectadores con flashbacks que se van alternando con los momentos de la actualidad. Lo siento, pero creo que es un recurso muy sobado y el carácter episódico que le da a la película me hizo odiar un poquito más a Daisy. Por último lanzo una pregunta al aire: ¿alguien me puede explicar por qué se enmarca el tramo del presente con el huracán Katrina de fondo? Es que no lo entiendo.

Tags: Benjamin Button, Brad Pitt, David Fincher, Microcrítica

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Considero [·REC] una estupenda muestra de cine de terror y su éxito se basa, creo, en la forma en la que se le muestra al espectador, ofreciéndole un espectáculo audiovisual que incide de forma directa en el aparato emocional más básico y transportándolo por la historia como en un tren de la bruja del que no puede escapar. Están presentes en [·REC] algunos de nuestros miedos más atávicos como el miedo a la oscuridad y a lo desconocido, la paranoia hacia las fuerzas de seguridad y, por supuesto, a los lugares encantados. Puede que la decisión de contar la película desde una cámara de vídeo no sea original -se ha hablado mucho de ciertas similitudes con The Blair Witch Proyect y las más nuevas Cloverfield y Diary of the Dead- pero sí es una decisión acertada. Balagueró y Plaza, con un envidiable sentido de la coherencia consiguen con esta decisión meternos el miedo en el cuerpo como hacía mucho que lo sentíamos en una sala de cine y eso es lo que cuenta. Quarantine obvia todo lo anteriormente dicho y hace que lo que en la original funciona de forma contundente se convierta en esta en un espectáculo ridículo, inverosímil y absurdo.

Evidentemente, este no es el primer caso de remake descafeinado, precedentes tenemos muchos, sobre todo de originales japoneses y coreanos como The Eye, o The Grunge (recozco que me gustó la adaptación de Dark Water), pero si hablamos de adaptaciones de películas españolas, que en definitiva son de las que más diferencias podemos apreciar, no puedo dejar de nombrar ese incompresible despropósito que es Vanilla Sky, derivado de la patria Abre los ojos, más sangrante todavía si vemos que fue dirigida por Cameron Crowe y que viene a demostrar que un reparto de estrellas y un presupuesto que multiplica el original no es en absoluto garantía de buen cine.

Por todo esto, rezaría si supiera hacerlo, para que el proyecto de remake de Los Cronocrímenes no se convierta una vez más en un desastre. En cualquier caso, todo esto tiene algo bueno: nos hace amar los originales todavía más , si es que eso es posible.

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Bueno: Un villano inteligente, desalmado, inquietante, violento, terrorífico, efectivo y original en sus maldades, desquiciado y chungo: El Joker. Un actor inteligente, sorprendente, entregado, intenso, desquiciado y efectivo también. Un actor, ahora más que nunca, tristemente desaparecido: Heath Ledger. También me gustaron mucho los diferentes cameos que sazonan la película.

Regular: Si bien agradezco el cambio de Katie Holmes por Maggie Gyllenhaal no puedo creer que no hubiese para ella una ropa, unos peinados y un maquillaje más favorecedores. Es cierto que el atractivo de la Gyllenhaal es muy particular, pero la chica no es fea y en esta película no luce un atractivo que sí tenía su predecesora. También es cierto que si bien Katie Holmes no pudo hacer demasiado con su personaje, Gyllenhaal le aporta un poco más de carácter y solidez.

Mal: Estoy deseando ver la película en versión original pero por ahora me tengo que conformar con la doblada. Tranquilos, no me voy a meter con el doblaje a nuestro idioma, ni me voy a sumar a los que critican que haya sido Daniel García, la voz habitual de Heath Ledger, el que haya puesto voz al Joker. Sinceramente, creo que hace un buen trabajo, al igual que los demás. Sin embargo sí hay algo del doblaje (imagino que estará también en la V.O.) que no me gustó y es esa modulación que se le ha dado a la voz de Batman. Entiendo que es una forma de hacer que suene diferente a la de Bruce Wayne pero, sobre todo al principio, era raro, muy raro.

Horroroso: La certeza absoluta de que no volveremos a ver a este mismo Joker en otra película. De hecho, creo que nos perderemos grandes interpretaciones que, seguro, terminarían por llegar.

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Bueno: Si arriba hablo de las emociones aquí abajo no puedo dejar de hablar de su derroche técnico, apabullando en cada plano. Cuando creemos que la animación poco o nada nuevo puede aportarnos llega Wall-e y nos descubre que no es cierto, que el truco está en saber cómo usar unos elementos, conocidos ya por todos, de la forma correcta. La historia y la construcción de sus personajes (física y emocionalmente) lo es todo. A pesar de ello no podemos ignorar el uso de la luz, la calidad de sus animaciones y la maravillosa música que desde el score principal a los temas clásicos utilizados (temas de Hello Dolly, pasando por Louis Amstrong o Edith Piaf) nos transmiten lo que nos deben transmitir. Maravilloso.

Regular: Egoístamente, me hubiese gustado que la totalidad de la película se hubiese desarrollado sin diálogos, tal como ocurre en la primera parte de la película y que el inevitable componente infantil se hubiese suavizado más. Creo que la película hubiese sido aun mejor, si es que eso es posible. Pero, como digo, es una opinión basada en el egoísmo.

Mal: Nada.

Muy mal: Absolutamente nada.

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